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【当然有戏】FLY 计划·讲座回顾|剧本——音乐剧创作的基石

时间:2021-08-02 来源:本站原创 作者:admin

  创立了美国最重要的新音乐剧孵化机构:雷曼·恩格尔音乐工作坊(Lehman Engel Musical Theatre Workshop),后为新音乐剧学院,为数百位创作者提供了学习的机会和专业的指导。

  这种艺术形式大约在150年前诞生于美国。经过前人对音乐剧不断的探索和尝试,直到20世纪初,百老汇音乐剧逐渐形成了如今普适的形式。

  现代音乐剧的前身是美国属于中下阶级娱乐表演的轻歌舞剧(Vaudeville)和奢华盛大的欧洲轻歌剧(Operetta)。但是现代音乐剧排斥了浮夸的表演形式,以观众们熟知的故事情节,配上欢快的旋律、奇妙的歌词、深刻的内涵得到了观众的喜爱。

  这里就不得不介绍剧作家奥斯卡·汉默斯坦二世。他创作的《俄克拉荷马》可以说为后世每一部音乐剧奠定了基础。

  汉默斯坦摒弃了欧洲轻歌剧的虚无缥缈、美国音乐喜剧的哗众取宠,在剧本中展现了更加深刻的内涵和对社会的反思。同时,他提出歌词应是角色心中所思所想的独特语言表达,应该和剧情有更深层的结合。

  1943年,由他创作的《俄克拉荷马》就以故事、音乐、舞蹈的完美衔接惊艳世人,永垂不朽。

  Sparks先生在课程中还提到,和戏剧、歌剧等一样,音乐剧中除了原创作品之外也存在大量的改编作品。音乐剧作者通过改编现有的情节或主题,以便将更多的精力集中在音乐、歌词、舞蹈等其他元素上,从而使故事更加能够引起观众的情感共鸣。而这,是许多非音乐剧的艺术形式难以实现的。

  无论是改编还是原创,当今的百老汇音乐剧都采用了叙事体进行创作,而这种叙事结构就是我们本节课讨论的主题“剧本(Book)”。

  首先,和所有的叙事性文学一样,音乐剧剧本也是由三个基本部分构成,即开头、经过和结尾。

  故事的“开头”不同于讲述故事大背景的音乐剧“第一场戏”。它的作用是对剧中核心人物进行定义。因为观众只有了解到人物需要什么、渴望什么才能对接下来的内容进行猜测和期待。而“经过”则是由一系列的事件组成,有起有落、有喜有悲,就是这个过程向观众展示了核心人物的经历和抉择,从而引出最终的结局。而“结局”除了要道出人物抉择的最终结果以外,最重要的是观众应该能够通过结局看到人物的“未来”。

  为了引发观众的好奇心和对人物命运发展的思考,鲜明的核心人物性格,作为第二个原则显得尤为重要。这就要求编剧,甚至是所有合作方(创作团队其他成员)都应该对剧中的人物背景有全方面的了解和共识。

  而全剧最终的后果和结局决定了整体的中心思想。为了给观众带来紧张感和刺激感,编剧可以设计提高人物所做的决定产生的后果的戏剧性或风险性。

  比如,在一个冒险故事中,探险者最终因为一个新生儿的出生而获得希望,最终成功登顶。那么观众则可以通过这样的“结局”感到巨大的满足感。

  音乐剧是团队共同努力的产物,所以合作是音乐剧创作过程中创作者们需要学习的重要课题。

  剧组的编曲、编舞、导演等其他创作成员都需要集思广益,为创作提供建议和方向。所以剧作团队之间应该互相尊重、面对面高效沟通、共同协作、包容倾听,这样才有利于音乐剧的创作。

  那么具体该如何将一个创意演变成一个故事、再演变成一部具有制作价值的音乐剧呢?

  应以简短的段落形式从头至尾依次描述每一场戏,而每一场戏则应该包括地点、人物、事件、如何铺垫后续几个部分。这个步骤需要编剧、作词与作曲的共同参与。

  在大纲的创作过程中,只需要包括叙事内容,不需要涉及歌曲。同时应该注意,在完成大纲之后,就不要因为产生新的创意而偏离大纲,应该按照大纲完成剧本的第一稿撰写,以免后续的创作出现偏离主题等问题。

  在大纲中创作者就应该体现故事的主题。主题是指故事存在的意义,而情节则是具体事件的发生,二者缺一不可。

  比如,在莎士比亚的《哈姆雷特》中,整个故事包含着各种情节,但是却都始终没有脱离“死亡”这个大主题。

  音乐剧第一稿的撰写看似与戏剧剧本差别不大,都是以对话和舞台指导为主导,青蛙彩第一现场开奖但音乐剧和戏剧之间仍存在不少差异。

  首先,音乐剧人物性格完全透明。正如前面所说,观众需要充分了解人物背景才能对后面的发展充满猜测和好奇。所以音乐剧中的人物大多性格鲜明、情感外露、对梦想或目标充满激情。

  其次,澳门论坛精选资料与戏剧不同,除了主线外,音乐剧会至少设置一条支线,且与主线呼应。因为支线主要起到缓冲、时间推进、缓解紧张氛围等作用。运用得当的话,主线与支线之间的切换,会给观众带来极具冲击力的戏剧效果。

  比如《俄克拉荷马》的主线是主人公之间的三角恋情,而支线则是另外三个角色间产生的三角爱恋。主线严肃,支线诙谐,它们来回的切换适当地缓解了观众的情绪。

  但音乐剧不同,由于音乐占用了大量时间,所以音乐剧中的对话主要是为了透露剧情和引出下一首歌,而不需要特别多的文学色彩。

  最后,创作者应该切记,音乐剧中情感高于一切。比起戏剧的理性探索,音乐剧更多的应该追求和观众之间情感的共鸣。

  在故事叙述中,隐晦的将有关角色的性格及行为动机的信息植入观众意识中的写作手段就是铺垫。但是切记,不要过早的一次性向观众传递过多的信息,否则到后期提起相关内容时,观众已经遗忘掉了铺垫信息,会适得其反。

  作者在运用铺垫的时应该考虑,观众需要知道什么、如何让观众知道以及观众什么时候需要知道。然后运用合适的方式或载体,向观众传递信息。

  创作者在写对话时应该认真揣摩角色的状态,想他们所想,应该思考:这个人物所说的话符合他现在的状态吗?

  “剧目的灵魂并不在于一字一句之间,而存在于角色的内心中”。也就是说,对话并不局限于阐述故事,更应该体现人物的性格和背景,所以好的对话是需要创作者精心安排的。

  场景是指故事中一个戏剧性事件的发生,而戏剧事件是角色面对阻力时主动采取的行为。

  这种阻力可能是另外的角色带来的压力,也可能是角色自身的内心挣扎。最经典的例子就是,《哈姆雷特》中最著名的独白“生存还是毁灭”,这就是主角自己的内心挣扎。

  场景中的事件是具有戏剧性的,有启下意义的。如果没有戏剧性,这个事件只能称为“过渡”,而音乐剧因为时间原因并没有过渡段。虽然有些歌曲没有戏剧性,其作用与过渡段相似,但是其内容也应蕴含强烈的情绪。而“启下意义”则是指观众应该可以通过对话推测出后面的场景,或者对事件的展开有所期待。

  另外,音乐剧中的场景一般是在音乐中开始,在音乐中结束的,甚至可以没有台词,全部以唱段组成。比如《西区故事》中“今夜(Tonight)”一歌就是该剧的核心场景。

  若一部傍晚上演的戏时长超过90分钟,一般都需要安排场间休息。所以剧作者需要在全剧进行到一半时,安排一个有一定重要性的事件,既有足够的戏剧性使故事中止,又能吊着观众的胃口,以便迎接下一幕的粉墨登场。

  比如《窈窕淑女》中,伊莱莎模仿匈牙利公主出场,这时观众就会担心在场的匈牙利语专家是否会在舞会上拆穿她的身份。

  第二种,是给核心人物设计事关命运的挑战,而在接下来的第二幕中讲述核心人物解决困境的过程。

  比如《汉密尔顿》的第一幕以内战的结束为结尾,第二幕则讲述革命家们摸索治国的故事。这个例子里面,场间休息前后的事件有直接的因果关系,并且都是以核心人物为主导的。

  经过上述内容的学习,相信读者们也和我们的同学们一样有许多自己的感悟和疑问,那么在课堂上他们提出了怎样的问题呢?让我们一起来思考吧~

  现在中国的观众对于音乐剧的剧情要求很高,那么作为作者,我们怎么样才能既满足观众对剧情的需要,又能平衡剧情不会影响到音乐发挥的空间呢?

  当一部音乐剧传递的价值观并没有得到全部观众的认同,但是从音乐剧的创作和制作角度来看又是成功的。那么我们该如何定义这部音乐剧是否有价值?或者我们创作的音乐剧输出的价值观一定要被主流或大部分观众认可吗?

  剧本,作为整个音乐剧的基石,传递了音乐剧整体的主题和内涵。但音乐剧是剧本、歌曲、舞蹈等一系列元素的完美融合下产生的作品。

  在FLY计划接下来的课程中,我们将继续为大家带来音乐剧创作其他方面的知识与技巧,请继续跟我们一起探索学习吧!

  Fly计划是由大麦与上海大剧院共同发起的新商业音乐剧作品孵化、及音乐剧创作人才培养项目。

  Fly计划旨在给华语音乐剧创作者提供新作品创作、学习、制作及商业开发的平台,共同打造优秀作品。

  Fly计划将引进国际成熟的孵化机制及资源,邀请具有20年以上音乐剧写作教学及剧本孵化经验的团队,协助培育符合国际水准的音乐剧剧本。

  【当然有戏】是大麦推出的戏剧内容厂牌,致力于针对“商业话剧”“燃音乐剧”“轻沉浸式”三大品类推出具有当下表达、青春态度和前沿创新的戏剧内容。

  Mailive是大麦旗下专注优质戏剧演出出品及制作的品牌,近年已出品话剧《德龄与慈禧》、《牛天赐》、《浮士德》,音乐剧《阿波罗尼亚》等多部作品,此外,基于“当然有戏”厂牌下的自制作品包括音乐剧《摇滚浮士德》。在拥有大麦、麦座两大业务布局的基础上,Mailive通过投资、策划、运营等方式参与内容的出品与创新,在完善大麦线下演出服务链的同时,不断提升用户体验,拉近用户距离。

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